Artes

Prepare-se para tremer de medo com esta edição revisada e ampliada de nossa história do cinema de terror. Este volume arrepiante contém 640 páginas com os melhores slashers, fantasmas, zumbis, canibais e muito mais, curando as criações de tela mais assustadoras, desde os fantasmas tremeluzentes da década de 1920 até os terrores de efeitos especiais do século XXI.

Em 10 capítulos ilustrados, o compêndio fica sob a pele de algumas das figuras e temas favoritos do horror, seja o vampiro, a casa mal assombrada, a assassina ou o lobisomem. Cada dispositivo clássico é explorado em termos estéticos e históricos, investigando a manipulação do horror dos medos humanos arquetípicos, tanto quanto as ansiedades social e culturalmente específicas.

Uma seção subsequente do Top 50 filmes traz os leitores de perto e tremendo com 50 peças de terror, de clássicos em preto e branco como Dr. Jekyll e Mr Hyde e Godzilla a Baby de Rosemary, The Wicker Man, The Shining, The Blair Witch Project e muito , muito mais. Ao longo, as imagens em destaque do livro incluem pôsteres de filmes, cenografias, fotos de filmes e cenas no set.

O pintor francês de flores Pierre-Joseph Redouté (1759-1840) dedicou-se exclusivamente a capturar a diversidade de plantas com flores em aquarelas, posteriormente publicadas como gravuras em cobre, com descrições botânicas cuidadosas. Queridinho dos ricos patronos parisienses, incluindo Josefina, esposa de Napoleão, ele foi apelidado de "o Rafael das flores" e é considerado até hoje um mestre da ilustração botânica.

Este elegante catálogo reúne todas as gravuras das ilustrações de Redouté de Rosas e Choix des plus belles fleurs (Seleção das Flores Mais Belas) e as imagens mais impressionantes de Os Lírios. Oferecendo uma visão vibrante da mistura de precisão e beleza de Redouté, é também um vislumbre privilegiado dos magníficos jardins e estufas de uma Paris do passado.

 Este é o primeiro livro a explorar os arquivos de Stanley Kubrick e o estudo mais abrangente do cineasta até hoje. Em 1968, quando Stanley Kubrick foi convidado a comentar sobre o significado metafísico de 2001: Uma Odisseia no Espaço, ele respondeu: Não é uma mensagem que pretendi transmitir em palavras. 2001 é uma experiência não-verbal. Tentei criar uma experiência visual, que contornasse a classificação verbalizada e penetrasse diretamente no subconsciente com um conteúdo emocional e filosófico. A filosofia por trás da Parte 1 dos Arquivos Stanley Kubrick toma emprestado esta linha de pensamento: desde a sequência de abertura de Killers Kiss até os quadros finais de De Olhos Bem Fechados, os filmes completos de Kubrick são apresentados cronologicamente e sem palavras por meio de ampliações de quadros. Uma experiência completamente não-verbal.

A segunda parte do livro dá vida ao processo criativo do cinema de Kubrick, apresentando uma coleção notável de material quase nunca visto de seus arquivos, incluindo fotografias, adereços, pôsteres, obras de arte, cenografias, esboços, correspondência, documentos, roteiros, rascunhos, notas e cronogramas de filmagem.

Acompanhando o material visual estão ensaios de renomados estudiosos de Kubrick, artigos escritos por e sobre Kubrick e uma seleção das melhores entrevistas de Kubrick.

A arte moderna é o período mais inovador da história da arte, quando a quebra de muitos paradigmas expressivos ocorria em paralelo ao que se passava também em outros campos criativos e tecnológicos. Conhecer a história da arte é uma oportunidade de entender melhor a transformação cultural do mundo em que vivemos, e este livro apresenta ao leitor uma maneira inovadora de mergulhar nesse momento-chave, em um passeio por suas formas criativas. Com linguagem acessível, textos curtos e muitas imagens, ele tem uma estrutura que conecta informações de diferentes capítulos para ampliar a percepção do leitor. A autora aborda 50 obras fundamentais do período, de uma pintura realista de Courbet, no final dos anos XIX, à instalação contemporânea de Yayoi Kusama. traçando sua relação com os movimentos, temas e técnicas artísticas mais importantes. O resultado é uma visão de como, quando e por que a arte mudou, quem introduziu determinadas soluções expressivas, o que eram elas, onde foram produzidas e qual foi a sua importância. Em seus textos concisos e interconectados sobre a história da arte moderna, Susie Hodge desmitifica o jargão artístico, permitindo que o leitor possa compreender e apreciar de forma profunda e abrangente o que a arte nos diz ao longo desse período transformador.

“Les diners de Gala is uniquely devoted to the pleasures of taste … If you are a disciple of one of those calorie-counters who turn the joys of eating into a form of punishment, close this book at once; it is too lively, too aggressive, and far too impertinent for you.”—Salvador Dalí

Food and surrealism make perfect bedfellows: sex and lobsters, collage and cannibalism, the meeting of a swan and a toothbrush on a pastry case. The opulent dinner parties thrown by Salvador Dalí (1904–1989) and his wife and muse, Gala (1894–1982) were the stuff of legend. Luckily for us, Dalí published a cookbook in 1973, Les diners de Gala, which reveals some of the sensual, imaginative, and exotic elements that made up their notorious gatherings.

This abridged reissue features 78 of his recipes over 12 chapters, specially illustrated by Dalí, and organized by meal courses, including aphrodisiacs. The illustrations and recipes are accompanied by Dalí’s extravagant musings on subjects such as dinner conversation: “The jaw is our best tool to grasp philosophical knowledge.”

All these rich recipes can be cooked at home, although some will require practiced skill and a well-stocked pantry. This is cuisine of the old school, with meals by leading French chefs. Good taste, however voluptuous, never goes out of fashion. In making this exceptionally rare book available to a wide audience, TASCHEN brings an artwork, a practical cookbook, and a multisensory adventure to today’s kitchens.

The first English edition of Les Diners de Gala was published in 1973 by FELICIE, INC., New York

Contemporary art is sometimes considered an austere matter: ascetic in palette, serious in tone, a subject for sober contemplation. That stereotype is exploded--ecstatically, and in full color--by the work of OSGEMEOS, trailblazing twin Brazilian artists with a practice as firmly rooted in the rule-breaking world of urban graffiti as it is in the elevated spheres of museum and gallery. Gustavo and Otavio Pandolfo first wielded their spray cans (and spun their discs, and breakdanced with friends) in the São Paulo hip-hop scene of the 1980s and '90s, drawing from that vibrant milieu the lesson that art is at its best, and most meaningful, when everyone is invited to the party.

Combining historical and contemporary elements of Brazilian society with graffiti, hip-hop, and youth culture, OSGEMEOS: Endless Story extends an invitation into the artists' expansive body of work, which embraces murals, paintings, sculpture, installations, and video, all using a symbolic visual language often inspired by dreams.

Renowned for their spindly yellow characters--seen dancing, writing graffiti, interacting with their urban settings, and stretching high across buildings and train cars worldwide--OSGEMEOS creates works that invite readers into a surreal, chimerical world filled with motifs that signal access to another realm or the deep psyche. This fantasy world, which they call Tritrez, is the apex of their vision: a land of wonder that reflects the diverse nature of Brazil itself.

OSGEMEOS: Endless Story, the artists' first major English-language monograph, will be accompanied by their first US survey exhibition and their largest US show to date, on view at the Hirshhorn Museum and Sculpture Garden in Washington, DC, from May 2024 to July 2025. The book is given a third dimension through Hirshhorn Eye (Hi) technology: readers can activate, via smartphone, videos of the artists and the exhibition's curators discussing the works in both book and show.