Artes

A lenda de Jean-Michel Basquiat está mais forte do que nunca. Sinônimo de Nova York dos anos 1980, o artista apareceu pela primeira vez no final dos anos 1970 sob a marca SAMO, espalhando comentários cáusticos e poemas fragmentados nas paredes da cidade. Ele apareceu como parte de uma próspera cena underground de artes visuais e grafite, hip hop, pós-punk e filmagem DIY, que se reuniu em um mundo de arte em expansão. Como um pintor com uma forte voz pessoal, Basquiat logo entrou no meio estabelecido, exibindo em galerias ao redor do mundo. O estilo expressivo de Basquiat baseava-se em figuras cruas e palavras e frases integradas. Seu trabalho é inspirado por um panteão de luminares do jazz, boxe e basquete, com referências à história misteriosa e à política da vida nas ruas - então, quando questionado sobre seu assunto, Basquiat respondeu "realeza, heroísmo e as ruas". Em 1983 começou a colaborar com a mais famosa das estrelas da arte, Andy Warhol, e em 1985 foi capa da revista The New York Times. Quando Basquiat morreu aos 27 anos, ele se tornou um dos artistas de maior sucesso de seu tempo. Publicado pela primeira vez em uma edição XXL, esta visão sem precedentes da arte de Basquiat está agora disponível em um volume compacto e acessível em comemoração ao 40º aniversário da TASCHEN. Com reproduções imaculadas de suas pinturas, desenhos e esboços de cadernos mais seminais, oferece uma proximidade vívida com as intrincadas marcas e palavras rabiscadas de Basquiat, ainda mais iluminadas por uma introdução ao artista do editor Hans Werner Holzwarth, bem como um ensaio sobre seus temas e desenvolvimento artístico da curadora e historiadora da arte Eleanor Nairne. Quebras de capítulo ricamente ilustradas ano a ano seguem a vida do artista e citam suas próprias declarações e críticas contemporâneas para fornecer informações pessoais e contexto histórico.

Star Wars explodiu em nossas telas de cinema em 1977, e o mundo não foi o mesmo desde então. Depois de assistir a filmes deprimentes e cínicos no início dos anos 1970, o público abraçou com entusiasmo a energia positiva da galáxia Star Wars enquanto seguia o agricultor de umidade Luke Skywalker em sua jornada por uma galáxia muito, muito distante, encontrando personagens extraordinários como o misterioso eremita Obi-Wan Kenobi , os piratas espaciais Han Solo e Chewbacca, os leais andróides C-3PO e R2-D2, a corajosa Princesa Leia Organa e o horrível Darth Vader, servo do sombrio e malévolo Imperador.

O escritor, diretor e produtor George Lucas criou o monomito moderno de nosso tempo, que ressoa com a criança que existe em todos nós. Ele formou a Industrial Light & Magic para desenvolver tecnologia de ponta em efeitos especiais, que ele combinou com técnicas de edição inovadoras e um senso de som aprimorado para dar ao público uma experiência cinematográfica sensorial única.

Neste primeiro volume, feito com a total colaboração da Lucasfilm, Lucas narra sua própria história, conduzindo-nos pela realização da trilogia original - Episódio IV Uma Nova Esperança, Episódio V O Império Contra-Ataca e Episódio VI O Retorno dos Jedi --e trazendo novos insights sobre a criação de um universo único. Completo com páginas de roteiro, documentos de produção, arte conceitual, storyboards, fotografia no set, stills e pôsteres, esta é a exploração autorizada da saga original contada por seu criador.

Bem-vindo à Marvel Age of Comics , uma era triunfante de inovação em cultura cômica e pop que redefiniu o gênero super-herói. Este tesouro de imagens e insights exclusivos revela a criação de personagens familiares como Hulk e Spider-Man, bem como os lendários arquitetos que os levaram à vida, de Stan "The Man" Lee a Jack "King" Kirby. 

Esta obra abarca os séculos XIV-XVIII da pintura em todo o mundo. Da chamada pintura primitiva ao Rococó, passando pelo Renascimento e o Barroco, trata-se de um dicionário que engloba os pintores e os movimentos artísticos mais relevantes, abordando obras que abrangem desde a temática sacra à profana, passando pela pintura de teor mitológico às cenas de costumes. É uma obra de referência tanto para o especialista como para o apreciador de pintura. O texto é acompanhado por belíssimas reproduções a cores das obras pictóricas mais representativas de artistas como Giotto, Caravaggio, Goya, Velázquez, Nuno Gonçalves, Leonardo da Vinci ou Dürer.

Matisse e o Mar examina a influência do mar na carreira do artista modernista Henri Matisse, que incluiu pinturas em locais costeiros no Mar Mediterrâneo e nos Oceanos Atlântico e Pacífico. Este livro reúne obras de arte em uma variedade de mídias (pintura, esculturas, recortes de papel, desenhos, gravuras, cerâmicas e tecidos) e tem um foco particular na icônica pintura costeira de Matisse, Banhistas com uma Tartaruga , explorando a variedade de fontes, de Cézanne à escultura africana, que informaram esta imagem. Simon Kelly, curador de arte moderna e contemporânea no Museu de Arte de Saint Louis, é o principal autor e editor do catálogo da exposição, com ensaios dos proeminentes estudiosos de Matisse, John Klein, professor da Universidade de Washington em Saint Louis e Ellen McBreen, professora do Wheaton College. A conservadora de pinturas Melissa Gardner fornece um ensaio técnico destacando uma nova análise de conservação de Banhistas com uma Tartaruga .

A arte moderna é o período mais inovador da história da arte, quando a quebra de muitos paradigmas expressivos ocorria em paralelo ao que se passava também em outros campos criativos e tecnológicos. Conhecer a história da arte é uma oportunidade de entender melhor a transformação cultural do mundo em que vivemos, e este livro apresenta ao leitor uma maneira inovadora de mergulhar nesse momento-chave, em um passeio por suas formas criativas. Com linguagem acessível, textos curtos e muitas imagens, ele tem uma estrutura que conecta informações de diferentes capítulos para ampliar a percepção do leitor. A autora aborda 50 obras fundamentais do período, de uma pintura realista de Courbet, no final dos anos XIX, à instalação contemporânea de Yayoi Kusama. traçando sua relação com os movimentos, temas e técnicas artísticas mais importantes. O resultado é uma visão de como, quando e por que a arte mudou, quem introduziu determinadas soluções expressivas, o que eram elas, onde foram produzidas e qual foi a sua importância. Em seus textos concisos e interconectados sobre a história da arte moderna, Susie Hodge desmitifica o jargão artístico, permitindo que o leitor possa compreender e apreciar de forma profunda e abrangente o que a arte nos diz ao longo desse período transformador.

“Les diners de Gala is uniquely devoted to the pleasures of taste … If you are a disciple of one of those calorie-counters who turn the joys of eating into a form of punishment, close this book at once; it is too lively, too aggressive, and far too impertinent for you.”—Salvador Dalí

Food and surrealism make perfect bedfellows: sex and lobsters, collage and cannibalism, the meeting of a swan and a toothbrush on a pastry case. The opulent dinner parties thrown by Salvador Dalí (1904–1989) and his wife and muse, Gala (1894–1982) were the stuff of legend. Luckily for us, Dalí published a cookbook in 1973, Les diners de Gala, which reveals some of the sensual, imaginative, and exotic elements that made up their notorious gatherings.

This abridged reissue features 78 of his recipes over 12 chapters, specially illustrated by Dalí, and organized by meal courses, including aphrodisiacs. The illustrations and recipes are accompanied by Dalí’s extravagant musings on subjects such as dinner conversation: “The jaw is our best tool to grasp philosophical knowledge.”

All these rich recipes can be cooked at home, although some will require practiced skill and a well-stocked pantry. This is cuisine of the old school, with meals by leading French chefs. Good taste, however voluptuous, never goes out of fashion. In making this exceptionally rare book available to a wide audience, TASCHEN brings an artwork, a practical cookbook, and a multisensory adventure to today’s kitchens.

The first English edition of Les Diners de Gala was published in 1973 by FELICIE, INC., New York

Contemporary art is sometimes considered an austere matter: ascetic in palette, serious in tone, a subject for sober contemplation. That stereotype is exploded--ecstatically, and in full color--by the work of OSGEMEOS, trailblazing twin Brazilian artists with a practice as firmly rooted in the rule-breaking world of urban graffiti as it is in the elevated spheres of museum and gallery. Gustavo and Otavio Pandolfo first wielded their spray cans (and spun their discs, and breakdanced with friends) in the São Paulo hip-hop scene of the 1980s and '90s, drawing from that vibrant milieu the lesson that art is at its best, and most meaningful, when everyone is invited to the party.

Combining historical and contemporary elements of Brazilian society with graffiti, hip-hop, and youth culture, OSGEMEOS: Endless Story extends an invitation into the artists' expansive body of work, which embraces murals, paintings, sculpture, installations, and video, all using a symbolic visual language often inspired by dreams.

Renowned for their spindly yellow characters--seen dancing, writing graffiti, interacting with their urban settings, and stretching high across buildings and train cars worldwide--OSGEMEOS creates works that invite readers into a surreal, chimerical world filled with motifs that signal access to another realm or the deep psyche. This fantasy world, which they call Tritrez, is the apex of their vision: a land of wonder that reflects the diverse nature of Brazil itself.

OSGEMEOS: Endless Story, the artists' first major English-language monograph, will be accompanied by their first US survey exhibition and their largest US show to date, on view at the Hirshhorn Museum and Sculpture Garden in Washington, DC, from May 2024 to July 2025. The book is given a third dimension through Hirshhorn Eye (Hi) technology: readers can activate, via smartphone, videos of the artists and the exhibition's curators discussing the works in both book and show.

tephen Shore was 17 years old when he began hanging out at The Factory - Andy Warhol's legendary studio in Manhattan. Between 1965 and 1967, Shore spent nearly every day there, taking pictures of its diverse cast of characters, from musicians to actors, artists to writers, and including Edie Sedgwick, Lou Reed, and Nico - not to mention Warhol himself. This book presents a personal selection of photographs from Shore's collection, providing an insider's view of this extraordinary moment and place, as seen through the eyes of one of photography's most beloved practitioners.